Quels types de marionnettes utilisez-vous ?
Principalement la marionnette à gaine. Mais aussi la Muppet et l'objet. Et le théâtre d'ombres m'intéresse de plus en plus.

Quels publics visez-vous ?
Cela dépend de l'heure à laquelle on m'invite à jouer. Sur les séances de 10h et de 14h30, je privilégie le répertoire tout public de la compagnie. En revanche passé 22h, l'accès aux mineurs à mes spectacles se fait uniquement avec autorisation parentale de moins de 3 mois validée par la préfecture de Région.

Certaines de vos mises en scène ont été réalisées à partir de textes littéraires. Comment procédez-vous pour adapter le texte ?
L'adaptation de ce genre de textes se définit par le cadre que l'on se fixe : le type de marionnettes que l'on choisit, la narration avec ou sans texte que l'on privilégie, l'importance que l'on donne à la musique. Il m'est arrivé de partir de textes assez denses dont au final, il ne restait plus un seul mot : la marionnette, comme la danse, permet de mettre en place des dramaturgies exclusivement visuelles.

Quelles sont les difficultés rencontrées ?
Avoir une grande capacité d'anticipation pour nourrir le projet en amont et une grande souplesse d'esprit pour tout remettre en cause au moment du passage au plateau, ce n'est pas toujours très simple.

Vous intégrez des vidéos dans certains de vos spectacles comme dans Le petit chaperon Uf. Quel est l'apport de cette technique ?
Tout dépend du spectacle. Dans Le petit chaperon Uf, l'idée était d'aller dans le sens proposé par l'auteur à la fin de la pièce. Jean-Claude Grumberg y confronte les deux versions les plus connues du Petit chaperon rouge (celle de Perrault et celle de Grimm). J'ai souhaité développer cette confrontation tant au niveau du fond que de la forme. La vidéo y livre une version singulière avec un langage à la Ed Wood fait d'effets simples mais spéciaux tout de même …
D'une autre manière, dans le prochain spectacle que je prépare, la vidéo permettra de développer l'aspect fantasmagorique de l'immersion dans les méandres fantastiques des contes de fée.

Quels sont les apports des différents arts et approches artistiques dans l'art des marionnettes ?
Depuis plusieurs années, on assiste à un échange permanent entre la marionnette et les autres arts. La marionnette se nourrit d'eux et les nourrit : l'explosion des formes et des matières dans le domaine des arts plastiques a permis à la marionnette de découvrir de nouveaux horizons, dans le même temps plusieurs marionnettistes se retrouvent sollicités dans les musées (Giselle Vienne au centre Beaubourg de Paris en début d'année, Michel Laubu – Turak Théâtre – l'an dernier au Musée Gadagne à Lyon) ; les problématiques de dramaturgie et de mise en scène très présentes dans le théâtre d'acteurs ont permis aux spectacles de marionnettes de préciser leurs écritures (et leurs lectures), dans le même temps plusieurs metteurs en scène de théâtre se tournent vers la marionnette pour exploiter sa force expressive et son intérêt scénographique. Le questionnement du mouvement et donc de l'immobilité, que l'on retrouve aussi bien dans la danse que dans la marionnette se retrouve dans des propositions chorégraphiques ayant recourt à ces deux approches artistiques.

Vous jouez avec le castelet puisqu'à certains moments vous manipulez les marionnettes derrière le castelet et parfois devant comme dans Ubu Forever. Quel est l'intérêt de ce jeu pour vous ?
Cette pratique est issue de la tradition du théâtre forain. Il tisse un lien entre marionnettes et spectateurs via un personnage singulier : le bonimenteur. Les marionnettes jouent une histoire. Le personnage du bonimenteur s'amuse avec le regard que le public porte sur cette histoire. Pour le marionnettiste cela permet de jouer à deux niveaux : avec ses marionnettes et avec le public. C'est assez jouissif.

Comment trouvez-vous le rythme d'un spectacle ?
Le rythme du spectacle se trouve avec le metteur en scène… et avec le temps. Pour le metteur en scène, il s'agit d'exploiter le temps des répétitions pour trouver le meilleur équilibre entre tous les éléments mis en jeu : la marionnette, l'acteur, la musique, la scénographie, les costumes, les lumières…

Quelles sont les durées privilégiées pour vos spectacles ?
En général on tourne autour de 60 minutes.

Produisez-vous parfois des durées très courtes ?
J'ai des canevas en marionnettes à gaines que je peux adapter entre 15 et 30 minutes. Actuellement je prépare des formes courtes en théâtre d'ombres autour de contes décalés.

Quels sont les apports des formes brèves ?
Elles fatiguent beaucoup moins que les formes longues ! Sérieusement : de manière très pragmatique, elles permettent souvent d'amener la marionnette vers le spectateur dans le cadre de programmation en décentralisation. Elles permettent aussi aux marionnettistes de tester des choses sur une courte durée qui ressortiront (ou pas) plus tard sur une production plus importante.

Quel rôle peut jouer l'improvisation dans vos créations ?
C'est une pratique assez nouvelle que j'ai découverte aux côtés d'improvisateurs lyonnais. L'improvisation en marionnettes à gaine offre un lâcher prise qui permet de dépasser la technique souvent très contraignante de ce type de marionnettes. Cela permet aussi de revenir aux origines de cette pratique : un théâtre de l'instant qui se rit des circonstances qui l'entourent.

Quelle est, actuellement, la visibilité des spectacles de marionnettes ?
La marionnette bénéficie aujourd'hui d'une belle visibilité. Avec l'institut de la Marionnette et l'Ecole de la marionnette de Charleville depuis 20 ans, et tout récemment avec les pôles de la marionnette, elle s'est tissée un réseau interne de plus en plus reconnu, mais elle est aussi de plus en plus présente sur les réseaux "classiques" comme les scènes nationales et les centres dramatiques nationaux. Deux jeunes marionnettistes viennent notamment d'être nommés à la tête de CDN (Renaud Herbin au TJP de Strasbourg, Johanny Bert au CDN de Montluçon) c'est un signe plutôt encourageant pour la profession. Surtout, la marionnette a réussi à montrer ces dernières années, que si elle savait s'adresser magnifiquement aux enfants, elle pouvait tout aussi bien interpeller un public exclusivement adulte (je pense aux spectacles d'Ilka Schonbein, Emilie Valentin, Giselle Vienne, Neville Tranter, Hotel Modern et tant d'autres).

Quels sont les lieux les mieux appropriés aux représentations ?
Là encore tout dépend du spectacle. Si je m'en tiens à ma pratique, il est évident que la marionnette à gaine passe mal sur la scène de l'Olympia. De part sa taille notamment, elle préférera un rapport plus intime et une jauge plus humaine. A l'inverse les marionnettes de Royal de Luxe interviennent à l'échelle d'une ville pour un public de masse.

Vous intervenez comme artiste associé pour le Festival de Marionnettes de Mirepoix qui aura lieu début août. Quel sera votre rôle ?
J'interviendrai dans le cadre d'un focus sur la transmission avec des étudiants de l'ENSATT, de l'ESNAM et du Théâtre aux Mains Nues autour notamment de la rencontre de la marionnette à gaine et de l'auteur contemporain Emmanuel Darley. J'apporterai ma pâte aux traditionnelles soirées du festival en mettant la marionnette à gaine à l'honneur au travers d'un match de catch marionnettique et d'un cabaret que j'espère déjanté. Cela sera aussi pour moi l'occasion de rendre hommage à ma maîtresse de marionnettes à gaine, Michelle Gauraz, qui nous a quitté l'an dernier.

Quelle importance jouent les Festivals pour l'art de la marionnette ?
C'est un temps appréciable où les artistes se retrouvent "en famille" et proches du public : on se retrouve, on se (re)découvre. Economiquement, les festivals sont aussi très importants pour les compagnies car c'est souvent un endroit où les programmateurs viennent repérer des spectacles.

Comment s'intègrent les spectacles de marionnettes dans le monde contemporain ?
Les créateurs contemporains lui donnent de plus en plus de crédit : bon nombre de metteurs en scène de théâtre d'acteurs, mais aussi de chorégraphes l'intègrent à leurs spectacles. On la retrouve aussi bien sur le plateau de la Comédie Française (Don Quichotte, mise en scène Emilie Valentin) que sur la Scène du Grand Rex (avec le groupe berlinois PUPPET MASTAZ). Et la marionnette n'hésite pas à sortir de son cadre traditionnel de représentation. Après la télévision depuis les années 80 (le Muppet Show, le Bébête Show, les Guignols de l'info) elle s'est aussi emparée d'internet avec l'humour et le décalage qui la caractérise (Télé Poils : http://www.wat.tv/video/fur-tv-saison-episode-1551a_2hmmb_.html). Au cinéma elle accompagne les mutations de l'animation: des pantins articulées image par image des studios tchèques des années 70 (avec Svankmajer en chef de file) aux marionnettes présentes sur les plateaux de tournage de films 3D tournés en motion capture, la marionnette continue de faire son show…

Quels sont projets ?
Après la tragédie comique du PETIT CHAPERON UF que j'ai eu le plaisir de défendre 4 saisons durant aux côtés de Philippe Orivel et de Gildas Le Boulaire, la compagnie PUNCHISNOTDEAD se lance la saison prochaine dans l'aventure d'un autre texte jeune public de Jean-Claude Grumberg : MANGE TA MAIN. Il s'agit cette fois d'une comédie tragique où l'écriture déjantée de Jean-Claude Grumberg détourne et réactualise nos contes d'antan. Une fois de plus, la marionnette à gaine et la muppet seront à l'honneur sur cette création. En marge de ce projet, nous allons développer des petites formes d'ombres reprises en vidéo.
Les BONS CONTES DU BON VIEUX TEMPS qui proposeront des contes décalés comme celui de la Vieille Chéchette de Louise Michel.
A plus long terme, je ne désespère pas de monter un projet que j'ai initié il y a deux ans déjà, autour de l'écriture savoureuse d'Emmanuel Darley et notamment de son FLEXIBLE, HOP HOP !
Et pour rire ( car c'est important, rire) nous allons développer des matchs de catch d'improvisations marionnettiques initiés l'an dernier par Brice Coupey, Gérald Gaudau et moi-même au Festival Marionnettissimo de Tournefeuille.
Punch is not dead... qu'on se le dise !!!